Beasts of No Nation

Famosamente o primeiro grande candidato ao Oscar da Netflix, o épico explosivo e arrepiante de Cary Joji Fukunaga tornou-se vítima das guerras culturais após seu lançamento em 2015, uma época em que os estúdios, as redes de cinema e a Academia eram especialmente hostis aos streamers e à ameaça que eles representavam ao modelo estabelecido da indústria. Tudo resultou num encerramento total – uma injustiça grosseira, considerando o poder esmagador da assustadora interpretação central de Idris Elba como o comandante imponente que lidera uma tropa de crianças-soldados para uma guerra civil brutal, e de Abraham Attah como um novo recruta sensível, lentamente endurecido pelos horrores do conflito.

Mudbound – Lágrimas Sobre o Mississipi

O drama de Dee Rees, ambientado no temperamental Delta do Mississippi e que acompanha dois veteranos da Segunda Guerra Mundial (Garrett Hedlund e Jason Mitchell) ainda lutando para se orientar, é ao mesmo tempo um retrato abrangente e íntimo de trauma residual, amizade, frustrações conjugais e tensão racial no sul da era Jim Crow. Cada aspecto é combinado, julgado com habilidade e profundamente comovente, desde as delicadas atuações de Carey Mulligan e Mary J Blige como mães e esposas que trabalham para manter suas famílias de pé, até a balada Mighty River, que faz parte da trilha sonora, e a cinematografia surpreendente e quase sobrenatural de Rachel Morrison. O filme nunca se esquivou das realidades do período – pobreza extrema, exploração, violência inimaginável, o domínio da Ku Klux Klan – e ainda assim permanece silenciosa e profundamente esperançosa na sua visão da resiliência humana e da nossa capacidade de ficar firme contra todas as probabilidades.

Desde a primeira cena – a Cleo de Yalitza Aparicio lavando metodicamente um chão de pedra – até a última – ela subindo as escadas com uma pilha de roupa lavada – a história semiautobiográfica de Alfonso Cuarón sobre uma família implodindo na Cidade do México dos anos 70 é um triunfo incontestável. O filme é comedido e tranquilo à medida que conhecemos e nos aproximamos da nossa protagonista, uma empregada doméstica com crises próprias para lidar, que, no entanto, é envolvida no caos coletivo quando a sua patroa (Marina de Tavira) descobre que o seu marido (Fernando Grediaga) a está abandonando, juntamente com os filhos pequenos deles. Isso ficará gravado em seu cérebro, não apenas pelos cenários angustiantes (um terremoto em uma enfermaria infantil, um violento incêndio florestal, uma ida a uma loja de móveis interrompida por um tumulto, Cleo mergulhando no mar para salvar o crianças, uma das cenas de nascimento mais angustiantes já filmadas), mas também seus momentos mais serenos e contemplativos: todos assistindo TV juntos em uma imagem de felicidade familiar que logo é destruída; o derradeiro retorno da normalidade interna; e a doce cena em que Cleo se deita ao sol e se finge de morta com seu jovem pupilo.

História de um Casamento

Sim, os memes ofuscaram o filme um pouco nos anos desde seu lançamento, mas o relato comovente e hilário de Noah Baumbach sobre um casamento em ruínas é, sem dúvida, uma obra-prima: um retorno meticulosamente bem elaborado a clássicos de Hollywood como Kramer vs Kramer, que de alguma forma os supera com sua inteligência afiada, escrita impecável e olhar para o que é comicamente absurdo. Laura Dern, merecidamente, ganhou um Oscar por sua abordagem arrojada de uma espinhosa e arrogante advogada de divórcio, mas esta é, em todos os sentidos, uma obra em que todos os papéis têm importância, com um bando de cenas inesquecíveis: Scarlett Johansson interpretando uma atriz emocionalmente ferida; Adam Driver como seu marido frustrado, sendo diretor de teatro; Azhy Robertson como o filho introvertido deles; Julie Hagerty e Merritt Wever como a mãe e irmã em conflito com o papel de Scarlett; Ray Liotta como um advogado raivoso; e até Martha Kelly como uma assistente social deliciosamente inexpressiva. O filme se desenvolve, cena por cena, através de uma explosão lendária, até uma conclusão satisfatória, mas totalmente realista, que o torna imperdível (e catártico) para todos os filhos do divórcio. A cena final me faz chorar todas as vezes que assisto.

Joias Brutas

A experiência de assistir ao thriller emocionante e angustiante de Josh e Benny Safdie – produzido pela A24 e distribuído internacionalmente pela Netflix – talvez seja mais semelhante a ter um ataque cardíaco sustentado por duas horas. É verdade que isso pode não parecer um elogio, mas prometo que é. Ele começa com um acidente de mineração na Etiópia e corta para uma colonoscopia, dando o tom para a loucura total que se seguirá, quando somos apresentados ao nosso herói incrivelmente irritante, mas infinitamente atraente, Howard Ratner (um Adam Sandler que rouba cenários e que nunca esteve melhor). Joalheiro, homem da cidade e um perpetuamente otimista e viciado em jogos de azar, ele se envolve com penhoristas e agiotas e tenta se safar em sequências que são arrepiantes e, segundos depois, histericamente engraçadas. (Preste atenção no sequestro de Howard ou na cena em que ele é ferido nas ruas de Nova York). Menção especial também deve ser dada à música surreal e indutora de ansiedade e ao elenco eclético de coadjuvantes: LaKeith Stanfield; Kevin Garnett e The Weeknd interpretando versões de si mesmos; a recente figura-capa da Vogue, Paloma Elsesser, que faz uma participação especial rápida; uma Idina Menzel incrivelmente engraçada; e uma então relativamente desconhecida Julia Fox como a amante bombástica de Howard.

O Que Ficou Para Trás

Conceito de terror com propósito, a meditação de Remi Weekes sobre a perda, a discriminação e a crise dos refugiados desenrola-se numa casa dilapidada nos arredores de Londres, a nova casa de um casal (os maravilhosos Wunmi Mosaku e Sope Dirisu) que fugiram devastados pela guerra do Sudão do Sul. A jovem filha deles, que morreu na viagem pelo Canal da Mancha, assombra as suas memórias, ao mesmo tempo que os seus vizinhos se tornam hostis, e outra força sobrenatural parece abrir buracos nas suas paredes e tenta criar uma barreira entre eles. O filme é uma manifestação visceral da dor indescritível deles, tornada ainda mais comovente pelas suas tentativas de adaptação à vida na Grã-Bretanha, ao mesmo tempo que anseiam em voltar para casa e se apegam às tradições. À luz da abordagem do atual governo em relação ao asilo e à imigração, o filme é urgente e necessário, talvez mais do que nunca.

A Filha Perdida